The Three Sounds • Good Deal

Good Deal is a typically fine record from the Three Sounds, who were beginning to hit their stride when this session was recorded in May of 1959. Like most of their records, it's laidback – even when the group works a swinging tempo, there's a sense of ease that keeps the mood friendly, relaxed and mellow. Balancing standards like "Satin Doll," "Soft Winds" and "That's All" with bop ("Robbin's Nest"), calypso ("St. Thomas") and originals, the Three Sounds cover a lot of stylistic territory, putting their distinctive stamp on each song. It's very accessible, pleasant soul-jazz and mainstream hard bop, but Gene Harris' masterful technique means that Good Deal rewards close listening as well.

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Good Deal es un disco típicamente bueno de los Three Sounds, que empezaban a dar sus primeros pasos cuando se grabó esta sesión en mayo de 1959. Como la mayoría de sus discos, es relajado, incluso cuando el grupo trabaja con un tempo de balanceo, hay una sensación de facilidad que mantiene el ambiente amigable, relajado y tranquilo. Equilibrando estándares como "Satin Doll", "Soft Winds" y "That's All" con bop ("Robbin's Nest"), calypso ("St. Thomas") y originales, los Three Sounds cubren mucho territorio estilístico, poniendo su sello distintivo en cada canción. Es muy accesible, un agradable soul-jazz y un hard bop convencional, pero la magistral técnica de Gene Harris hace que Good Deal recompense también la escucha cercana.

Tingvall Trio • Skagerrak

 

 

Martin Tingvall, Omar Rodriguez Calvo, Jürgen Spiegel: a Swede, a Kuban and a German. Three men who have made Hamburg their home. A pianist, a bass player, a drummer. Together they create an unmistakable sound all its own. A sound and songs which even appeal to people who normally don't listen to jazz. That’s the Tingvall Trio.

With concerts in more than 30 countries, a full measure of accolades including the German ECHO JAZZ as „Ensemble of the Year“ and „Live Act of the Year“, Jazz awards in gold for each of the trio's studio albums, No. 1 on the Jazz charts and even high ranking on the Pop charts, the trio's popularity has attained a level usually marked by current pop bands.
And yet, Tingvall Trio are just three friends who still love to make music together. This autumn their new album „Dance“ will be released.
https://tingvall-trio.de/#About

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Martin Tingvall, Omar Rodríguez Calvo, Jürgen Spiegel: un sueco, un Kuban y un alemán. Tres hombres que han hecho de Hamburgo su hogar. Un pianista, un bajista, un baterista. Juntos crean un sonido inconfundible propio. Un sonido y canciones que incluso atraen a personas que normalmente no escuchan jazz. Ese es el Trío Tingvall.

Con conciertos en más de 30 países, una gran cantidad de elogios que incluyen al ECHO JAZZ alemán como "Conjunto del Año" y "Acto en Vivo del Año", premios de Jazz en oro por cada uno de los álbumes de estudio del trío, el número 1 en las listas de Jazz e incluso una alta clasificación en las listas de éxitos Pop, la popularidad del trío ha alcanzado un nivel generalmente marcado por las bandas de pop actuales.
Y, sin embargo, Tingvall Trio son solo tres amigos a los que todavía les encanta hacer música juntos. Este otoño se lanzará su nuevo álbum "Dance".
https://tingvall-trio.de/#About

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Bill Evans • Trio 64

Evans was born in Plainfield, New Jersey and attended Southeastern Louisiana University. After a period in the Army, he returned to New York in 1955 and began working and recording with Tony Scott and George Russell. His subtly swinging, lucidly constructed solos with these leaders quickly attracted attention, and provided Evans with an opportunity to begin recording under his own name; but he was modest regarding his gifts, and for a time was reluctant to push himself into the limelight. All this changed after he spent several months during 1958 in Miles Davis's band, where he played alongside John Coltrane and Cannonball Adderley, and became a central figure in Davis's shift to modal improvisation.

The period with Davis allowed Evans to organize his own trio, which featured bassist Scott LaFaro and drummer Paul Motian by the end of 1959. These three players developed a new and more interactive approach to trio playing, one in which all instruments carried melodic responsibilities and functioned as equal voices. LaFaro's tragic death in a July 1961 highway accident ended the existence of this seminal unit; but not before it had recorded four albums, two in the studio and two at a Village Vanguard performance shortly before the bassist's death, that influenced several generations of pianists, bassists, and drummers.

While Evans excelled in even more intimate playing situations—he made memorable duet music with guitarist Jim Hall, singer Tony Bennett, and bassist Eddie Gomez, and on more than one occasion created fascinating studio recitals of multi-tracked piano—for the remaining two decades of his life, he continued to work in the trio format he had established with LaFaro and Motian. Personnel rarely changed in the Evans trio (Gomez was a member from 1966-1977, while drummers Marty Morell and Eliot Zigmund performed in the trio alongside Evans and Gomez from 1968-1974 and 1975-1977, respectively), and the unit's repertoire slowly grew to include evocative new originals and worthy standards, as well as the tunes that led to Evans's initial fame.

Despite this consistency of format and material, Evans remained uncommonly inspired, able to reach stunning emotional depths with a quiet lucidity that was unmatched. His lyrical melodic inventions, intricate phrasing, complex voicings, and beautiful touch remain as unmistakable influences on pianists more than 40 years after his death.
https://billevansofficial.com/about/

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Evans nació en Plainfield, Nueva Jersey, y estudió en la Southeastern Louisiana University. Tras un periodo en el ejército, regresó a Nueva York en 1955 y empezó a trabajar y grabar con Tony Scott y George Russell. Sus solos sutilmente oscilantes y lúcidamente construidos con estos líderes llamaron rápidamente la atención, y proporcionaron a Evans la oportunidad de empezar a grabar con su propio nombre; pero era modesto en cuanto a sus dotes, y durante un tiempo se mostró reacio a saltar a la palestra. Todo esto cambió después de pasar varios meses de 1958 en la banda de Miles Davis, donde tocó junto a John Coltrane y Cannonball Adderley, y se convirtió en una figura central en el cambio de Davis hacia la improvisación modal.

El periodo con Davis permitió a Evans organizar su propio trío, que a finales de 1959 contaba con el bajista Scott LaFaro y el batería Paul Motian. Estos tres músicos desarrollaron un enfoque nuevo y más interactivo para tocar en trío, en el que todos los instrumentos tenían responsabilidades melódicas y funcionaban como voces iguales. La trágica muerte de LaFaro en un accidente de carretera en julio de 1961 puso fin a la existencia de esta unidad seminal; pero no antes de que hubiera grabado cuatro álbumes, dos en el estudio y dos en una actuación en el Village Vanguard poco antes de la muerte del bajista, que influyeron en varias generaciones de pianistas, bajistas y bateristas.

Aunque Evans destacó en situaciones de interpretación aún más íntimas -hizo memorables duetos con el guitarrista Jim Hall, el cantante Tony Bennett y el bajista Eddie Gómez, y en más de una ocasión creó fascinantes recitales en estudio de piano multipista-, durante las dos décadas que le quedaban de vida siguió trabajando en el formato de trío que había establecido con LaFaro y Motian. El personal del trío de Evans rara vez cambió (Gómez fue miembro de 1966 a 1977, mientras que los bateristas Marty Morell y Eliot Zigmund tocaron en el trío junto a Evans y Gómez de 1968 a 1974 y de 1975 a 1977, respectivamente), y el repertorio de la unidad creció lentamente para incluir nuevos originales evocadores y estándares dignos, así como las melodías que llevaron a la fama inicial de Evans.

A pesar de esta consistencia de formato y material, Evans seguía estando extraordinariamente inspirado, capaz de alcanzar profundidades emocionales asombrosas con una lucidez silenciosa que no tenía parangón. Sus líricas invenciones melódicas, su intrincado fraseo, sus complejos voicings y su hermoso toque siguen siendo influencias inconfundibles para los pianistas más de 40 años después de su muerte.
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Monty Alexander • The River

  

Jamaican-born pianist Monty Alexander is a sophisticated, prolific performer with an urbane, swinging style informed by the bop tradition, as well as the reggae and Caribbean folk he grew up with. Born in Kingston, Jamaica in 1944, Alexander first started playing piano around age four and took classical lessons from age six. By his teens, however, he had discovered jazz and was already performing in nightclubs. Although his early career found him covering pop and rock hits of the day, it was his love of jazz-oriented artists like Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra, and Nat King Cole that brought him the most inspiration.

In 1961, he moved with his family to Miami, Florida to better pursue his musical ambitions. It was there that Alexander met restaurateur and Frank Sinatra associate Jilly Rizzo, who eventually hired him as the house pianist at his New York nightclub, Jilly's. For the next several years, Alexander lived in New York and worked at Jilly's, where had the opportunity to befriend and perform with a bevy of stars including Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson, and others. Buoyed by this success, in 1964 he traveled to Los Angeles, where he recorded several well-received albums for the Pacific Jazz label, including Alexander the Great and Spunky. A handful of additional efforts followed, including 1967's Zing! on RCA and 1969's This Is Monty Alexander on Verve. In 1969 he also appeared on vibraphonist Milt Jackson's That's the Way It Is.

In the 1970s, Alexander built a long-lasting relationship with Germany's MPS (Musik Produktion Schwarzwald) label and released a steady stream of albums, including 1971's Here Comes the Sun, 1974's Perception!, and 1977's Cobilimbo with longtime friend and collaborator Ernest Ranglin. These albums found Alexander pushing his sound in new directions and often combining jazz with elements of the Caribbean musical traditions of his youth. During this period he formed working relationships with bassist John Clayton and drummer Jeff Hamilton. As a trio, they debuted to much acclaim on 1976's Live! Montreux Alexander, and would continue to work together in various configurations over the next several decades. The pianist also continued to record with Milt Jackson, and made appearances on albums by Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, and others.

The '80s were also a fruitful period for Alexander, who continued to combine his love of straight-ahead jazz and Caribbean music with the release of such albums as 1983's The Duke Ellington Songbook, 1985's The River, and 1986's Li'l Darlin'. He also reunited with Clayton and Hamilton on 1983's Reunion in Europe and paired with bassist Ray Brown for several dates, including 1985's Full Steam Ahead and 1987's The Red Hot Ray Brown Trio. More albums followed, including 1994's Live at Maybeck and 1995's reggae-inflected Yard Movement. He rounded out the decade with 1997's Frank Sinatra-inspired Echoes of Jilly's and 1999's Stir It Up: The Music of Bob Marley.

In 2000, Alexander's artistic achievements were recognized by the Jamaican government with his designation as a worldwide music ambassador and as Commander in the Order of Distinction for outstanding services to Jamaica. That same year, he collaborated with reggae giants Sly Dunbar and Robbie Shakespeare on Monty Meets Sly & Robbie, followed in 2001 by Caribbean Duet with pianist Michel Sardaby. He then paired again with Ray Brown and guitarist Herb Ellis for 2002's Triple Scoop and 2003's Straight Ahead. Two tribute sessions followed with 2008's The Good Life: Monty Alexander Plays the Songs of Tony Bennett and 2009's Calypso Blues: The Songs of Nat King Cole. Alexander then highlighted his fusion of reggae, ska, R&B, and jazz on 2011's Harlem-Kingston Express and 2014's Harlem-Kingston Express, Vol. 2: River Rolls On, both recorded at Dizzy's Club Coca-Cola at Lincoln Center.

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 El pianista de origen jamaiquino Monty Alexander es un intérprete sofisticado y prolífico con un estilo urbano y de swing que se inspira en la tradición del bop, así como en el reggae y el folclore caribeño con el que creció. Nacido en Kingston (Jamaica) en 1944, Alexander empezó a tocar el piano alrededor de los cuatro años de edad y tomó lecciones de música clásica a partir de los seis años. Sin embargo, en la adolescencia descubrió el jazz y ya actuaba en clubes nocturnos. Aunque al principio de su carrera se encontraba cubriendo los éxitos del pop y el rock de la época, fue su amor por los artistas orientados al jazz como Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra y Nat King Cole lo que le proporcionó la mayor inspiración.

En 1961, se mudó con su familia a Miami, Florida, para perseguir mejor sus ambiciones musicales. Fue allí donde Alexander conoció a la restauradora y socia de Frank Sinatra, Jilly Rizzo, quien finalmente lo contrató como pianista en su club nocturno de Nueva York, Jilly's. Durante los siguientes años, Alexander vivió en Nueva York y trabajó en Jilly's, donde tuvo la oportunidad de hacer amistad y actuar con un grupo de estrellas como Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson y otros. Animado por este éxito, en 1964 viajó a Los Ángeles, donde grabó varios álbumes bien recibidos para el sello Pacific Jazz, entre ellos Alexander the Great y Spunky. Siguieron un puñado de esfuerzos adicionales, incluyendo Zing! de 1967 en RCA y This Is Monty Alexander de 1969 en Verve. En 1969 también apareció en el vibráfono "That's the Way It Is" del vibrafonista Milt Jackson.

En el decenio de 1970, Alexander estableció una relación duradera con el sello alemán MPS (Musik Produktion Schwarzwald) y publicó un flujo constante de álbumes, entre ellos Here Comes the Sun de 1971, Perception! de 1974 y Cobilimbo de 1977 con su amigo y colaborador de toda la vida Ernest Ranglin. Estos álbumes encontraron a Alexander empujando su sonido en nuevas direcciones y a menudo combinando el jazz con elementos de las tradiciones musicales caribeñas de su juventud. Durante este periodo estableció relaciones de trabajo con el bajista John Clayton y el baterista Jeff Hamilton. Como trío, debutaron con gran éxito en el Live! de 1976. Montreux Alexander, y seguirían trabajando juntos en varias configuraciones durante las siguientes décadas. El pianista también continuó grabando con Milt Jackson, y apareció en álbumes de Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman y otros.

Los años 80 también fueron un período fructífero para Alexander, que siguió combinando su amor por el jazz directo y la música caribeña con el lanzamiento de álbumes como The Duke Ellington Songbook de 1983, The River de 1985 y Li'l Darlin' de 1986. También se reunió con Clayton y Hamilton en 1983 en Reunion in Europe y se emparejó con el bajista Ray Brown en varias fechas, entre ellas Full Steam Ahead de 1985 y The Red Hot Ray Brown Trio de 1987. Siguieron más álbumes, entre ellos Live at Maybeck de 1994 y Yard Movement de 1995, con influencias de reggae. Completó la década con Echoes of Jilly de 1997, inspirado por Frank Sinatra, y Stir It Up de 1999: La música de Bob Marley.

En 2000, los logros artísticos de Alexander fueron reconocidos por el Gobierno de Jamaica con su designación como embajador mundial de la música y como Comandante de la Orden de Distinción por sus destacados servicios a Jamaica. Ese mismo año, colaboró con los gigantes del reggae Sly Dunbar y Robbie Shakespeare en el programa Monty Meets Sly & Robbie, seguido en 2001 por Caribbean Duet con el pianista Michel Sardaby. Luego volvió a formar pareja con Ray Brown y el guitarrista Herb Ellis para la Triple Scoop de 2002 y Straight Ahead de 2003. A continuación, se celebraron dos sesiones de homenaje con The Good Life de 2008: Monty Alexander interpreta las canciones de Tony Bennett y Calypso Blues de 2009: Las canciones de Nat King Cole. A continuación, Alexander destacó su fusión de reggae, ska, R&B y jazz en el Harlem-Kingston Express de 2011 y en el Harlem-Kingston Express de 2014, Vol. 2: River Rolls On, ambos grabados en el Dizzy's Club Coca-Cola del Lincoln Center.

 

 

www.montyalexander.com ...

The Eddie Higgins Trio • Soulero

Review

Pianist Eddie Higgins' third album as a leader (following an obscurity for Replica and a Vee Jay LP) features his regular Chicago-based trio of the era, a group with bassist Richard Evans and drummer Marshall Thompson. A mainstream pianist with an open ear toward more modern harmonies, Higgins explores such numbers as his "Tango Africaine," "Django," "Beautiful Dreamer," and "Makin' Whoopee" with equal sensitivity and plenty of swing.

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Revisar

El tercer álbum del pianista Eddie Higgins como líder (después de una oscuridad por Replica y un LP de Vee Jay) presenta a su trío habitual de la época en Chicago, un grupo con el bajista Richard Evans y el baterista Marshall Thompson. Un pianista convencional con un oído abierto a las armonías más modernas, Higgins explora números como su "Tango Africaine", "Django", "Beautiful Dreamer" y "Makin' Whoopee" con igual sensibilidad y mucho swing.   

Steve Kuhn Trio • Pavane for a Dead Princess

 

Biography
by Matt Collar
A highly regarded jazz pianist and composer, Steve Kuhn is known for his sophisticated ear for harmony and lyrical, motivic approach to improvisation. Emerging from the Boston jazz scene of the late '50s, Kuhn gained early exposure playing with legends like Kenny Dorham, John Coltrane, and Art Farmer. He came to wider prominence in 1966 with his albums Three Waves, with bassist Steve Swallow and drummer Pete La Roca, and The October Suite, with vibraphonist Gary McFarland. Those recordings led to a series of highly regarded albums for ECM including 1974's Trance, with Swallow and drummer Jack DeJohnette. An adaptive, forward-thinking performer, Kuhn's subsequent albums like 1987's Life's Magic, 1995's Remembering Tomorrow, and 2012's Wisteria have found him moving across various genres, from swinging acoustic post-bop to classical-influenced chamber jazz and the avant-garde.

Born in Brooklyn, New York in 1938 to Hungarian immigrant parents, Kuhn first became interested in music at a young age while listening to his father's jazz record collection on 78s. Starting piano lessons at age five, he quickly displayed his gift for perfect pitch. After moving to Boston with his family, Kuhn began taking lessons with the legendary Boston-area pedagogue Margaret Chaloff, whom he credits with engendering his strong classical piano technique. Also during this time, he befriended Chaloff's son, saxophonist Serge Chaloff, who encouraged his interest in jazz.

By his teens, Kuhn had developed into an adept jazz pianist, influenced by the recordings of jazz luminaries like Duke Ellington, Bud Powell, Fats Waller, and Art Tatum. He formed his own trio with drummer Arnold Wise and bassist Chuck Israels and began playing local clubs. Even while attending Harvard, Kuhn held down a six-nights-a-week gig in Harvard Square and gained valuable experience working with the myriad jazz stars who came through the city, including Chet Baker, Coleman Hawkins, and Vic Dickenson, among others. After graduating Harvard, Kuhn continued his studies at the Lenox School of Music, where he rubbed shoulders with fellow students Ornette Coleman and Don Cherry and studied under esteemed jazz scholars like Gunther Schuller and George Russell. It was also while at Lenox that he met trumpeter Kenny Dorham, who hired the pianist for a year-long tour.

Parting ways with Dorham in 1960, Kuhn next joined legendary saxophonist John Coltrane's quartet for a stint at New York's Jazz Gallery. While brief (Kuhn was replaced by McCoy Tyner after eight weeks), the experience inspired Kuhn and would inform much of his later work. Also during the '60s, Kuhn began appearing on recording dates with artists like Stan Getz, Oliver Nelson, and Art Farmer; he also spent a year touring with Farmer and future collaborators bassist Steve Swallow and drummer Pete La Roca.

As a leader, Kuhn debuted alongside pianist Toshiko Akiyoshi on 1963's The Country and Western Sound of Jazz Pianos. He then followed up with 1966's Three Waves, featuring Swallow and La Roca. Also in 1966, he paired with fellow Lenox student Gary McFarland for the landmark chamber jazz album The October Suite.

In the late '60s, Kuhn relocated to Stockholm, Sweden, where he lived and performed until 1971. Ironically, it wasn't until returning to the States that Kuhn signed with Manfred Eicher's then-fledgling European jazz label ECM. Notably, Kuhn's work on The October Suite had been one of Eicher's early inspirations in founding the label. With ECM, Kuhn released several probing and atmospheric albums including Ecstasy (1974), Trance (1974), Motility (1977), Non-Fiction (1978), Playground, featuring vocalist Sheila Jordan (1979), and Last Year's Waltz (1981).

In the '80s, Kuhn continued to refine his sound, often playing in a trio with bassist Ron Carter and drummer Al Foster. Many of his albums from this period, including 1984's Mostly Ballads, 1987's Life's Magic, and 1988's Porgy, showcase a mix of well-curated standards along with his inventive original compositions. It was a template that Kuhn would stick with throughout the next decade as he found himself working in various trio settings with artists like David Finck, George Mraz, Buster Williams, Billy Drummond, Lewis Nash, Bill Stewart, Kenny Washington, and others.

While the trio remained Kuhn's preferred format, his 1995 album Seasons of Romance found him working in an all-star quintet with tenor saxophonist Bob Mintzer and trumpeter Tom Harrell. Even more expansive was his 2004 return to ECM, Promises Kept, which found him backed by a small string orchestra. Kuhn also retained his exploratory edge, returning to his love of classical composers like Debussy and Ravel on 2006's Pavane for a Dead Princess. Jazz reworkings of classical compositions were featured on his 2008 trio album, Baubles, Bangles and Beads.

In 2009, Kuhn revisited his time as a member of John Coltrane's quartet with Mostly Coltrane, featuring saxophonist Joe Lovano, on ECM. Also for ECM, Kuhn paired in a trio with bassist Swallow and drummer Joey Baron for 2012's Wisteria. His trio with Swallow and Baron was also the focus of 2016's At This Time... and 2018's To and from the Heart.
https://www.allmusic.com/artist/steve-kuhn-mn0000036645/biography

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Biografía
por Matt Collar
Reputado pianista y compositor de jazz, Steve Kuhn es conocido por su sofisticado oído para la armonía y su enfoque lírico y motivador de la improvisación. Surgido de la escena jazzística de Boston a finales de los años 50, Kuhn empezó a tocar con leyendas como Kenny Dorham, John Coltrane y Art Farmer. Saltó a la fama en 1966 con sus álbumes Three Waves, con el bajista Steve Swallow y el batería Pete La Roca, y The October Suite, con el vibrafonista Gary McFarland. Esas grabaciones dieron lugar a una serie de álbumes de gran prestigio para ECM, incluido Trance, de 1974, con Swallow y el batería Jack DeJohnette. Kuhn, un intérprete adaptable y con visión de futuro, ha publicado álbumes posteriores como Life's Magic, de 1987, Remembering Tomorrow, de 1995, y Wisteria, de 2012, en los que se ha movido por diversos géneros, desde el swing post-bop acústico hasta el jazz de cámara de influencia clásica y la vanguardia.

Nacido en Brooklyn, Nueva York, en 1938, de padres inmigrantes húngaros, Kuhn empezó a interesarse por la música a una edad temprana, mientras escuchaba la colección de discos de jazz de 78 de su padre. Empezó a tomar clases de piano a los cinco años, y pronto demostró su don para la afinación perfecta. Tras mudarse a Boston con su familia, Kuhn empezó a tomar clases con la legendaria pedagoga Margaret Chaloff, a quien atribuye la creación de su sólida técnica de piano clásico. También en esa época, se hizo amigo del hijo de Chaloff, el saxofonista Serge Chaloff, que fomentó su interés por el jazz.

En su adolescencia, Kuhn se había convertido en un experto pianista de jazz, influido por las grabaciones de luminarias del jazz como Duke Ellington, Bud Powell, Fats Waller y Art Tatum. Formó su propio trío con el batería Arnold Wise y el bajista Chuck Israels y empezó a tocar en clubes locales. Incluso mientras estudiaba en Harvard, Kuhn actuaba seis noches a la semana en Harvard Square y adquirió una valiosa experiencia trabajando con las innumerables estrellas del jazz que pasaban por la ciudad, como Chet Baker, Coleman Hawkins y Vic Dickenson, entre otros. Tras graduarse en Harvard, Kuhn prosiguió sus estudios en la Lenox School of Music, donde se codeó con sus compañeros Ornette Coleman y Don Cherry y estudió con reputados estudiosos del jazz como Gunther Schuller y George Russell. También fue en Lenox donde conoció al trompetista Kenny Dorham, que contrató al pianista para una gira de un año.

Tras separarse de Dorham en 1960, Kuhn se unió al cuarteto del legendario saxofonista John Coltrane para una temporada en la Jazz Gallery de Nueva York. Aunque breve (Kuhn fue sustituido por McCoy Tyner al cabo de ocho semanas), la experiencia inspiró a Kuhn y marcaría gran parte de su obra posterior. También durante los años 60, Kuhn empezó a aparecer en fechas de grabación con artistas como Stan Getz, Oliver Nelson y Art Farmer; también pasó un año de gira con Farmer y sus futuros colaboradores, el bajista Steve Swallow y el batería Pete La Roca.

Como líder, Kuhn debutó junto al pianista Toshiko Akiyoshi en The Country and Western Sound of Jazz Pianos, de 1963. Siguió con Three Waves, de 1966, con Swallow y La Roca. También en 1966, formó pareja con otro estudiante de Lenox, Gary McFarland, en el álbum de jazz de cámara The October Suite, que marcó un hito.

A finales de los 60, Kuhn se trasladó a Estocolmo (Suecia), donde vivió y actuó hasta 1971. Irónicamente, no fue hasta su regreso a Estados Unidos cuando Kuhn firmó con ECM, el entonces incipiente sello europeo de jazz de Manfred Eicher. El trabajo de Kuhn en The October Suite había sido una de las primeras inspiraciones de Eicher para fundar el sello. Con ECM, Kuhn publicó varios álbumes profundos y atmosféricos, como Ecstasy (1974), Trance (1974), Motility (1977), Non-Fiction (1978), Playground, con la vocalista Sheila Jordan (1979), y Last Year's Waltz (1981).

En los años 80, Kuhn siguió perfeccionando su sonido, tocando a menudo en trío con el bajista Ron Carter y el batería Al Foster. Muchos de sus álbumes de esta época, como Mostly Ballads (1984), Life's Magic (1987) y Porgy (1988), muestran una mezcla de estándares bien seleccionados junto con sus inventivas composiciones originales. Fue una plantilla que Kuhn mantendría a lo largo de la década siguiente, cuando se encontró trabajando en varios tríos con artistas como David Finck, George Mraz, Buster Williams, Billy Drummond, Lewis Nash, Bill Stewart, Kenny Washington y otros.

Aunque el trío siguió siendo el formato preferido de Kuhn, en su álbum de 1995 Seasons of Romance trabajó en un quinteto de estrellas con el saxofonista tenor Bob Mintzer y el trompetista Tom Harrell. Aún más expansivo fue su regreso a ECM en 2004, Promises Kept, en el que contó con el respaldo de una pequeña orquesta de cuerda. Kuhn también conservó su lado explorador, volviendo a su amor por compositores clásicos como Debussy y Ravel en Pavane for a Dead Princess, de 2006. En su álbum para trío de 2008, Baubles, Bangles and Beads, Kuhn incluyó versiones jazzísticas de composiciones clásicas.

En 2009, Kuhn retomó su etapa como miembro del cuarteto de John Coltrane con Mostly Coltrane, con el saxofonista Joe Lovano, en ECM. También para ECM, Kuhn formó pareja en un trío con el bajista Swallow y el batería Joey Baron para Wisteria, de 2012. Su trío con Swallow y Baron también fue el centro de At This Time..., de 2016, y To and from the Heart, de 2018.
https://www.allmusic.com/artist/steve-kuhn-mn0000036645/biography

ecmrecords.com/steve-kuhn ...

Teddy Wilson • The Noble Art Of Teddy Wilson

 

 

Kenny Drew • Kenny Drew Trio

Joe Henderson & Tete Montoliu • Live In Mensa'81 [Bootleg]

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Eddie Higgins • Portrait In Black And White

Biography

Born and raised in New England, Eddie (Haydn) Higgins started his professional career in Chicago, while studying at the Northwestern University Music School. For twenty years Eddie worked at some of Chicago's best known jazz clubs, including the Brass Rail, Preview Lounge, Blue Note, Cloister Inn and Jazz Ltd. His longest and most memorable job was at the London House, where he led the house trio for twelve years, playing opposite the biggest jazz stars of the 50's and 60's, including Stan Getz, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Errol Garner, George Shearing, Cannonball Adderley, Bill Evans and many others.

During his stay in Chicago, Eddie recorded a number of albums under his auspices and many more as a sideman with a wide variety of musicians, ranging in style from Coleman Hawkins to Wayne Shorter, Don Goldie to Freddie Hubbard, Jack Teagarden to Al Grey. Eddie's versatility is well-known: he has backed singers, done studio work as both pianist and arranger and worked in every jazz medium from Dixieland to Modern Jazz.

In 1970, Eddie moved to Ft. Lauderdale, Florida and began spending winters in Florida and summers on Cape Cod, where he plays local clubs and enjoys sailing and tennis. Since the early 1980's, Eddie has traveled widely on the jazz festival circuit and has performed frequently in Europe and Japan. His releases on the Japanese “Venus” label have earned him number one in jazz sales on more than one album. In 1988, Eddie and jazz singer/pianist/artist Meredith d'Ambrosio were married and have become a popular team at clubs and festivals, as well as recording for Sunnyside Records.

In recent years, Eddie's recording activity has become even more prolific and attention to his play has grown to be more widely recognized. He has received praise from such as Nat Hentoff and Gary Giddons. Attempts to describe his style are exemplified by the following:

To these tributes, I would add that Eddie's play can be extraordinarily moving. Listen to his treatment of Brazilian themes on “Speaking of Jobim” and solo work on the album “Time On My Hands,” the latter which achieves an almost unparalleled marriage of style, composition and audio fidelity. You would think it was being played in a cathedral.

https://musicians.allaboutjazz.com/eddiehiggins

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Biografía

Nacido y criado en Nueva Inglaterra, Eddie (Haydn) Higgins comenzó su carrera profesional en Chicago, mientras estudiaba en la Escuela de Música de la Universidad de Northwestern. Durante veinte años Eddie trabajó en algunos de los clubes de jazz más conocidos de Chicago, incluyendo el Brass Rail, Preview Lounge, Blue Note, Cloister Inn y Jazz Ltd. Su trabajo más largo y memorable fue en la London House, donde dirigió el trío de la casa durante doce años, tocando frente a las mayores estrellas del jazz de los años 50 y 60, incluyendo a Stan Getz, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Errol Garner, George Shearing, Cannonball Adderley, Bill Evans y muchos otros.

Durante su estancia en Chicago, Eddie grabó varios álbumes bajo sus auspicios y muchos más como sideman con una amplia variedad de músicos, desde Coleman Hawkins a Wayne Shorter, Don Goldie a Freddie Hubbard, Jack Teagarden a Al Grey. La versatilidad de Eddie es bien conocida: ha apoyado a cantantes, ha trabajado en estudios como pianista y arreglista y ha trabajado en todos los medios de jazz, desde Dixieland hasta Modern Jazz.

En 1970, Eddie se mudó a Ft. Lauderdale, Florida y comenzó a pasar los inviernos en Florida y los veranos en Cape Cod, donde juega en clubes locales y disfruta de la vela y el tenis. Desde principios de los años 80, Eddie ha viajado mucho por el circuito de festivales de jazz y ha tocado frecuentemente en Europa y Japón. Sus lanzamientos en el sello japonés "Venus" le han valido el número uno en ventas de jazz en más de un álbum. En 1988, Eddie y la cantante, pianista y artista de jazz Meredith d'Ambrosio se casaron y se han convertido en un equipo popular en clubes y festivales, además de grabar para Sunnyside Records.

En los últimos años, la actividad discográfica de Eddie se ha vuelto aún más prolífica y la atención a su obra ha crecido hasta ser más ampliamente reconocida. Ha recibido elogios de Nat Hentoff y Gary Giddons. Los intentos de describir su estilo se ejemplifican con lo siguiente:

A estos homenajes, añadiría que la obra de Eddie puede ser extraordinariamente conmovedora. Escuche su tratamiento de los temas brasileños en "Speaking of Jobim" y su trabajo en solitario en el álbum "Time On My Hands", este último que logra un matrimonio casi inigualable de estilo, composición y fidelidad de audio. Uno pensaría que se está tocando en una catedral.

https://musicians.allaboutjazz.com/eddiehiggins

Malcolm Lockyer • That Old Feeling

 

Malcolm Lockyer (1923-1976), pianista, arreglista y director de orquesta, incursionó en el jazz en la década del '50, partir de los '60 se dedica casi exclusivamente a musicalizar films, programas de la BBC y como arreglador y director de orquestas para artistas como Bing Crosby o proyectos tales como The Million Airs Orchestra, tributo a Glen Miller, que efectuó poco antes de su fallecimiento.

Aquí comparto su disco bajo la formación de trío, en este caso se trata jazz estándar tranquilo y prolijo.

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Malcolm Lockyer (5 October 1923 - 28 June 1976) was a British film composer and conductor.
In his early years he developed an interest in dance and from here gathered an interest in music. At the age of nineteen he became a musician in the Royal Air Force and in 1944 joined the Buddy Featherstonhaugh Sextet. His biggest successes in composition were for the BBC series' Friends and Neighbours (1959) and The Pursuers (1961) for which he wrote the themes. His film scores include The Pleasure Girls (1965), Island of Terror (1966), Night of the Big Heat (1967), The Vengeance of Fu Manchu (1967) and Sandy the Seal (1969). He also composed the music for the 1965 film Dr. Who and the Daleks, some arrangements from that film have since been released on a CD called The Eccentric Dr. Who.
One of the highlights of Lockyer's career was arranging and conducting the Bing Crosby album Holiday in Europe (1961), described as "one of the all-time Crosby classics" by the noted jazz critic Will Friedwald in his liner notes to the CD Bing Crosby: Legends of the 20th Century, which includes seven tracks from the album.
Lockyer conducted frequently throughout the 1960s. Among the many orchestras he led were those for: the BBC Radio Home Service's radio musical version of Jerome K. Jerome's Three Men in a Boat (1962), and the films Our Man in Marrakesh (1966) and Deadlier than the Male (1967) among others. From the early 1960s he was conductor of the BBC Revue Orchestra and subsequently the principal conductor of the new BBC Radio Orchestra and the BBC Big Band [1] when both ensembles were formed in 1967.
Lockyer was the musical director for the 1972 Eurovision Song Contest staged at the Usher Hall in Edinburgh. Unusually however, as noted in John Kennedy O'Connor's The Eurovision Song Contest - The Official History, he did not conduct the home entry for the UK.[2] Lockyer had taken part in the very first UK selection process to find Britain's debut Eurovision entry in 1957. He performed an orchestral version of the song "All", which won the contest. However, Patricia Bredin went on to perform the song at the final in Frankfurt with musical direction by Eric Robinson.
Shortly before his death in 1976, he conducted The Million Airs Orchestra in 26 Glenn Miller tribute concerts.

Michel Petrucciani • The Blue Note Years

Piano virtuoso Michel Petrucciani was born on December 28th 1962 in Orange France to Italian parents. He grew up surrounded by music as his father was a guitarist and his brothers were a bassist and a guitarist. He discovered the piano very young and one of his early influences was Duke Ellington. Because he was born with osteogenesis imperfecta; a condition that stunts growth and causes fragile bones and respiratory disorders, he had to have special extensions made for him to reach the pedals of the piano. The condition did not affect his hands, however, and he was able to study classical piano for 8 years. He gave his first professional concert at age 13 at the Cliousclat Festival where he was discovered by Clark Terry. Terry introduced him to a number of expatriate jazz musicians and this encouraged the young Petrucciani to embrace jazz as a musical idiom rather than classical music. At age 16 he met drummer Aldo Romano who was impressed by the teenager’s musical prowess and took him under his wing and 2 years later helped him launch his recording career with Flash. Petrucciani recorded a number of excellent albums for the French label Owl including a duet with Lee Konitz. In 1981 he performed at the Paris Jazz Festival and caused a sensation.

In 1982 he moved to the US and was introduced to Charles Lloyd. The latter was so impressed by the pianist that he helped him launch his American career. During this stay he met and married his first wife Erlinda Montaño. The marriage lasted 3 years. During he stay in the US Petrucciani had the opportunity to play with lot of the giants of jazz including Dizzy Gillespie. In 1986 he became the first Frenchman to sign a contract with the legendary Blue Note label. In 1990 he married classical pianist Gilda Butta with whom he had two children. This marriage also ended in divorce in the late 90s. He spent the 90s touring Europe and recording for Dreyfus Records. Near the end of his life he was trying to establish a jazz school in Paris.

https://musicians.allaboutjazz.com/michelpetrucciani

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El virtuoso del piano Michel Petrucciani nació el 28 de diciembre de 1962 en Orange, Francia, de padres italianos. Creció rodeado de música ya que su padre era guitarrista y sus hermanos eran bajistas y guitarristas. Descubrió el piano muy joven y una de sus primeras influencias fue Duke Ellington. Debido a que nació con osteogénesis imperfecta; una condición que impide el crecimiento y causa huesos frágiles y desórdenes respiratorios, tuvo que hacer extensiones especiales para que llegara a los pedales del piano. Sin embargo, la afección no afectó sus manos y pudo estudiar piano clásico durante 8 años. Dio su primer concierto profesional a los 13 años en el Festival Cliousclat donde fue descubierto por Clark Terry. Terry le presentó a un número de músicos de jazz expatriados y esto animó al joven Petrucciani a abrazar el jazz como un lenguaje musical en lugar de la música clásica. A los 16 años conoció al baterista Aldo Romano, quien quedó impresionado por la destreza musical del adolescente y lo tomó bajo su ala, y dos años más tarde lo ayudó a lanzar su carrera discográfica con Flash. Petrucciani grabó varios discos excelentes para el sello francés Owl, incluyendo un dúo con Lee Konitz. En 1981 actuó en el Festival de Jazz de París y causó sensación.

En 1982 se trasladó a los Estados Unidos y fue presentado a Charles Lloyd. Este último quedó tan impresionado por el pianista que le ayudó a lanzar su carrera en Estados Unidos. Durante esta estancia conoció y se casó con su primera esposa Erlinda Montaño. El matrimonio duró 3 años. Durante su estancia en los Estados Unidos, Petrucciani tuvo la oportunidad de tocar con muchos de los gigantes del jazz, entre ellos Dizzy Gillespie. En 1986 se convirtió en el primer francés en firmar un contrato con el legendario sello Blue Note. En 1990 se casó con la pianista clásica Gilda Butta con quien tuvo dos hijos. Este matrimonio también terminó en divorcio a finales de los 90. Pasó los años 90 de gira por Europa y grabando para Dreyfus Records. Casi al final de su vida estaba tratando de establecer una escuela de jazz en París.

https://musicians.allaboutjazz.com/michelpetrucciani

 

 

 

 

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VA • Saga Jazz- The Canadian Giant

 

Joe Sample • Introducing Joe Sample

 

Biography by Alex Henderson:
One of the many jazzmen who started out playing hard bop but went electric during the fusion era, Joe Sample was, in the late '50s, a founding member of the Jazz Crusaders along with trombonist Wayne Henderson, tenor saxman Wilton Felder, and drummer Stix Hooper. The Crusaders' debt to Art Blakey's Jazz Messengers wasn't hard to miss -- except that the L.A.-based unit had no trumpeter, and became known for its unique tenor/trombone front line. Sample, a hard-swinging player who could handle chordal and modal/scalar improvisation equally well, stuck to the acoustic piano during the Crusaders' early years -- but would place greater emphasis on electric keyboards when the band turned to jazz-funk in the early '70s and dropped "Jazz" from its name. Though he'd recorded as a trio pianist on 1969's obscure Fancy Dance, 1978's Rainbow Seeker was often described as his first album as a leader. In contrast to the gritty music the Crusaders became known for, Sample's own albums on MCA and, later, Warner Bros. and PRA generally favored a very lyrical and introspective jazz-pop approach. Sample died of mesothelioma in September 2014 in Houston, Texas at the age of 75. In 2015, Sample's holiday-themed collaboration with vocalist India.Arie, Christmas with Friends, was posthumously released.
https://www.allmusic.com/artist/joe-sample-mn0000804559/biography



 Artist Biography
 Joe Sample is a pianist of great energy, versatility, and enterprise. He has constantly sought out novel directions to express his ideas. Since his days with the Jazz Crusaders to his multiple solo efforts and countless sideman sessions, though never seeking the spotlight, is recognized by both his peers and the knowing public as a first class musical artist
Born on February 1, 1939, in Houston, Texas, Joe Sample grew up in a fertile musical Creole neighborhood hearing zydeco and Louis Armstrong. He started playing the piano at age five, and he incorporated a range of local traditions into his music: jazz, gospel, blues, and even Latin and classical forms.
In high school in the 1950s, Sample teamed up with two friends, saxophonist Wilton Felder and drummer Nesbert “Stix” Hooper, to form a group called the Swingsters. While studying piano at Texas Southern University, Sample met and added trombonist Wayne Henderson and several other players to the Swingsters, which became the Modern Jazz Sextet and then the Jazz Crusaders, in emulation of one of the leading progressive jazz bands of the day, Art Blakey's Jazz Messengers. Sample never took a degree from the university; instead in 1960, he and the Jazz Crusaders made the move from Houston to Los Angeles.
The group quickly found opportunities on the West Coast, making its first recording, “Freedom Sounds” in 1961 and releasing up to four albums a year over much of the 1960s. The Jazz Crusaders played at first in the dominant hard bop style of the day, standing out by virtue of their unusual front-line combination of saxophone (played by Wilton Felder) and Henderson's trombone. Another distinctive quality was the funky, rhythmically appealing acoustic piano playing of Sample, who helped steer the group's sound into a fusion between jazz and soul in the late 1960s. The Jazz Crusaders became a strong concert draw during those years.
https://musicians.allaboutjazz.com/joesample

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Biografía de Alex Henderson:
Uno de los muchos jazzistas que empezaron tocando hard bop pero que se volvió eléctrico durante la era de la fusión, Joe Sample fue, a finales de los años 50, miembro fundador de los Jazz Crusaders junto con el trombonista Wayne Henderson, el saxofonista tenor Wilton Felder y el baterista Stix Hooper. La deuda de los Cruzados con los Mensajeros del Jazz de Art Blakey no era difícil de ignorar - excepto que la unidad con base en Los Ángeles no tenía trompetista, y se hizo conocida por su única línea de frente de tenor/trombón. Sample, un músico de swing duro que podía manejar la improvisación de acordes y modal/escalar igualmente bien, se mantuvo en el piano acústico durante los primeros años de los Cruzados - pero pondría mayor énfasis en los teclados eléctricos cuando la banda pasó al jazz-funk a principios de los 70 y dejó de lado el "Jazz" de su nombre. Aunque había grabado como trío de pianistas en el oscuro Fancy Dance de 1969, Rainbow Seeker de 1978 fue descrito a menudo como su primer álbum como líder. En contraste con la música de los Crusaders, los álbumes de Sample en MCA y, más tarde, en Warner Bros. y PRA, generalmente favorecían un enfoque muy lírico e introspectivo del jazz-pop. Sample murió de mesotelioma en septiembre de 2014 en Houston, Texas, a la edad de 75 años. En 2015, la colaboración de Sample con el vocalista India.Arie, Christmas with Friends, fue lanzada póstumamente.
https://www.allmusic.com/artist/joe-sample-mn0000804559/biography



Biografía del artista
 Joe Sample es un pianista de gran energía, versatilidad y espíritu emprendedor. Ha buscado constantemente nuevas direcciones para expresar sus ideas. Desde sus días con los Jazz Crusaders hasta sus múltiples esfuerzos en solitario e incontables sesiones de sideman, aunque nunca buscando el foco de atención, es reconocido tanto por sus pares como por el público conocedor como un artista musical de primera clase.
Nacido el 1 de febrero de 1939 en Houston, Texas, Joe Sample creció en un fértil barrio musical criollo escuchando zydeco y Louis Armstrong. Comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años, e incorporó una serie de tradiciones locales en su música: jazz, gospel, blues, e incluso formas latinas y clásicas.
En el instituto, en los años 50, Sample se asoció con dos amigos, el saxofonista Wilton Felder y el baterista Nesbert "Stix" Hooper, para formar un grupo llamado los Swingsters. Mientras estudiaba piano en la Texas Southern University, Sample conoció y agregó al trombonista Wayne Henderson y a varios otros músicos a los Swingsters, que se convirtieron en el Modern Jazz Sextet y luego en los Jazz Crusaders, en emulación de una de las principales bandas de jazz progresivo de la época, Art Blakey's Jazz Messengers. Sample nunca se graduó en la universidad; en cambio, en 1960, él y los Jazz Crusaders se mudaron de Houston a Los Ángeles.
El grupo encontró rápidamente oportunidades en la costa oeste, haciendo su primera grabación, "Freedom Sounds" en 1961 y editando hasta cuatro álbumes al año durante gran parte de la década de 1960. Los Jazz Crusaders tocaron al principio en el estilo hard bop dominante de la época, destacando por su inusual combinación de saxofón (interpretado por Wilton Felder) y trombón de Henderson. Otra cualidad distintiva fue el funky y rítmicamente atractivo piano acústico de Sample, que ayudó a dirigir el sonido del grupo hacia una fusión entre el jazz y el soul a finales de la década de 1960. Los Jazz Crusaders se convirtieron en un fuerte atractivo para los conciertos durante esos años.
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Esbjörn Svensson Trio • Seven Days of Falling

 

Review by Stewart Mason
Available for quite some time as an import before the tiny Philadelphia-based indie 215 Records finally released it stateside, complete with a bonus live DVD, 2003's Seven Days of Falling is every bit the equal of E.S.T.'s earlier records. Misguided American media comparisons to the highly overrated the Bad Plus have done pianist Esbjörn Svensson, bassist Dan Berglund, and drummer Magnus Ostrom a grave disservice, as their music is far more wide-ranging and much less gimmicky. Despite occasional forays into rock influences like "O.D.R.I.P." and a few brief passages that skirt the edges of outside free improv, there's an elegance and shapeliness to the trio's work that has more in common with the cerebral cool of Bill Evans (particularly on the quietly gorgeous opener "Ballad for the Unborn") or the effortless melodic grace of the Vince Guaraldi Trio ("Evening in Atlantis," "Believe, Beleft, Below"). Seven Days of Falling is a ravishingly beautiful, musically captivating album. Bonus track alert: hidden after the nervy "O.D.R.I.P." is the Sinatra-like ballad "Love Is Real," featuring guest vocals from Josh Haden, son of Charlie and brother of Petra.
https://www.allmusic.com/album/seven-days-of-falling-mw0000325844

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Reseña de Stewart Mason
Disponible durante bastante tiempo como disco de importación antes de que el pequeño sello independiente 215 Records, con sede en Filadelfia, lo publicara finalmente en Estados Unidos, con un DVD en directo como extra, Seven Days of Falling, de 2003, está a la altura de los discos anteriores de E.S.T.. Las equivocadas comparaciones de los medios de comunicación estadounidenses con los sobrevaloradísimos Bad Plus han hecho un flaco favor al pianista Esbjörn Svensson, al bajista Dan Berglund y al batería Magnus Ostrom, ya que su música es mucho más amplia y mucho menos efectista. A pesar de incursiones ocasionales en influencias rock como "O.D.R.I.P. "y algunos breves pasajes que bordean los límites de la improvisación libre, hay una elegancia y una forma en el trabajo del trío que tiene más en común con la frialdad cerebral de Bill Evans (especialmente en la preciosa y silenciosa "Ballad for the Unborn") o la gracia melódica sin esfuerzo del Vince Guaraldi Trio ("Evening in Atlantis", "Believe, Beleft, Below"). Seven Days of Falling es un álbum arrebatadoramente bello y musicalmente cautivador. Alerta de bonus track: escondida tras la nerviosa "O.D.R.I.P." está la balada "Love Is Real", al estilo de Sinatra, con la voz invitada de Josh Haden, hijo de Charlie y hermano de Petra.
https://www.allmusic.com/album/seven-days-of-falling-mw0000325844

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Tete Montoliu Trio • Barcelona Meeting

 

All performances on this album were recorded on May 22, 1988. At the time, Tete Montoliu, Reggie Johnson and Alvin Queen were the dependable rhythm section behind saxophonist Jerome Richardson while he was booked at the old Cova del Drac in Barcelona. The three were in such top form and had such energy and good rapport, that they agreed to do a trio album. With musicians of this caliber, it simply could not go wrong. They were confident, but more so, they were sympathetic to each other’s ideas.

Tete played in a straight-ahead vein. He was rhythmically solid and never overeager, but still managed to get all he had bubbling inside him out there, on the piano, and put it together beautifully without ever foregoing his swinging melodic presence. Alvin generated considerable excitement with his distinctive, powerful driving force, while Reggie provided just the precise pulse to best serve the twists and turns of Tete’s playing. All the music they recorded that day has remained in the Fresh Sound Records archives for over 30 years, and this is the first time that the complete trio session has come to light. Listening to these performances we can easily agree that in addition to his talent, what comes across when Tete plays the piano more than anything else is his genuineness.
https://www.freshsoundrecords.com/tete-montoliu-albums/47804-barcelona-meeting.html

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Todas las actuaciones de este álbum se grabaron el 22 de mayo de 1988. En aquel momento, Tete Montoliu, Reggie Johnson y Alvin Queen eran la sección rítmica de confianza del saxofonista Jerome Richardson mientras éste estaba contratado en la antigua Cova del Drac de Barcelona. Los tres estaban en tan buena forma y tenían tanta energía y buena compenetración, que acordaron hacer un álbum en trío. Con músicos de este calibre, simplemente no podía salir mal. Tenían confianza en sí mismos, pero sobre todo simpatizaban con las ideas de los demás.

Tete tocaba en una línea directa. Era rítmicamente sólido y nunca exagerado, pero aún así se las arregló para sacar todo lo que tenía dentro de él, en el piano, y lo puso juntos maravillosamente sin renunciar nunca a su presencia melódica oscilante. Alvin generó una considerable emoción con su distintiva y poderosa fuerza motriz, mientras que Reggie aportó el pulso preciso para servir mejor a los giros y vueltas de la forma de tocar de Tete. Toda la música que grabaron aquel día ha permanecido en los archivos de Fresh Sound Records durante más de 30 años, y ésta es la primera vez que sale a la luz la sesión completa del trío. Al escuchar estas interpretaciones, podemos estar de acuerdo en que, además de su talento, lo que más se percibe cuando Tete toca el piano es su autenticidad.
https://www.freshsoundrecords.com/tete-montoliu-albums/47804-barcelona-meeting.html


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Hampton Hawes Quartet • All Night Session [3 Vol]

 

vol 1: On the night of November 12 and into the morning of November 13, 1956, a quartet led by pianist Hampton Hawes recorded enough material to fill three long-playing phonograph record albums. This studio session contained many elements associated with a live gig: the work took place during regular nightclub performing hours, the improvisations were mostly extended, and there were no alternate takes. A remarkable freshness and spontaneity prevailed throughout the session. Although controversy continues regarding the original sequence of titles, Duke Jordan's "Jordu" and Dizzy Gillespie's "Groovin' High" are superb openers for this first of three volumes. In addition to an invigorating run down "Broadway," Hawes improvised two original themes: "Takin' Care" and a bluesy walk entitled "Hampton's Pulpit" that stretched out for more than 11 minutes, making it the longest track of the entire all-night session. Collaborating with the pianist on this historic date were guitarist Jim Hall, bassist Red Mitchell, and drummer Eldridge "Bruz" Freeman. The interplay between these four men is marvelous, particularly when heard with headphones or through a sound system allowing for a full appreciation of the stereophonic balance achieved by the recording engineers.
vol 2: This is the second of three albums that came about as the result of an all-night recording session that took place in Los Angeles on November 12 and 13, 1956. Although Hampton Hawes spontaneously created five original tunes at this extraordinarily inspired date, everything on Vol. 2 comes directly out of the standard bop musician's working repertoire. The quartet, with bassist Red Mitchell, guitarist Jim Hall, and drummer Eldridge "Bruz" Freeman, collectively improvise their way through four attractive standards ("I Should Care" turned out to be the only slow ballad of the entire session) and three of Dizzy Gillespie's most refreshing creations. In 1958 Hawes was quoted as saying "It's hard to put into words how good it feels to play jazz when it's really swinging...I've reached a point where the music fills you up so much emotionally that you feel like shouting hallelujah -- like people do in church when they're converted to God. That's the way I was feeling the night we recorded All Night Session!"
vol 3 of the Hampton Hawes Quartet's All Night Session contains three spontaneously improvised variations on the blues, one very cool extended rendition of Duke Ellington's "Do Nothin' 'Till You Hear from Me" and a strikingly handsome treatment of Harold Arlen's "Between the Devil and the Deep Blue Sea." The briskly paced "Blues #4" is especially progressive and exciting. Apparently "Blues of a Sort" was a warm-up performance, as voices are audible (discussing a football game!) in the background during the bass solo. For this one-take marathon late-night session of November 12 and 13, 1956, Hawes chose to share the studio with guitarist Jim Hall, bassist Red Mitchell and drummer Eldridge "Bruz" Freeman, who had replaced Chuck Thompson following that musician's sudden inability to continue touring with the group earlier that year. "We gave Chuck what money we could and left him sitting on a hospital cot in a white bathrobe." This grim image, like much of Hawes' autobiography Raise Up Off Me, paints a stark picture of the narcotics epidemic among jazz musicians during the '50s. Although this was the first peak of his career, Hawes later admitted that "during the fall of 1956 I was messing up consistently -- showing late on gigs or missing them altogether." He had lots of offers for work, including the possibility of providing music for a film soundtrack: "Wanted to do it, would have paid good, but at the time I didn't even have the bread to get high enough to get to the studio to see what they had in mind." One of the great incongruities of bop is the fact that Charlie Parker and the musicians who were most directly influenced by him were able to be so creative and prolific while grappling with addictions that confounded, immobilized, and eventually slew them. All of these insights quietly swarm beneath the surface of what added up to more than two hours of exceptionally fine quartet jazz.

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vol. 1: En la noche del 12 de noviembre y hasta la mañana del 13 de noviembre de 1956, un cuarteto dirigido por el pianista Hampton Hawes grabó suficiente material para llenar tres discos de larga duración. Esta sesión de estudio contenía muchos elementos asociados a un concierto en directo: el trabajo tuvo lugar durante el horario habitual de actuación en un club nocturno, las improvisaciones fueron en su mayoría prolongadas y no hubo tomas alternativas. Una notable frescura y espontaneidad prevalecieron durante toda la sesión. Aunque continúa la controversia sobre la secuencia original de los títulos, "Jordu" de Duke Jordan y "Groovin' High" de Dizzy Gillespie son magníficos abridores de este primero de los tres volúmenes. Además de un vigoroso recorrido por "Broadway", Hawes improvisó dos temas originales: "Takin' Care" y un paseo bluesero titulado "Hampton's Pulpit" que se alargó durante más de 11 minutos, convirtiéndose en el tema más largo de toda la sesión nocturna. Colaboraron con el pianista en esta fecha histórica el guitarrista Jim Hall, el bajista Red Mitchell y el baterista Eldridge "Bruz" Freeman. La interacción entre estos cuatro hombres es maravillosa, especialmente cuando se escucha con auriculares o a través de un sistema de sonido que permita apreciar plenamente el equilibrio estereofónico logrado por los ingenieros de grabación.
vol 2: Este es el segundo de los tres álbumes que surgieron como resultado de una sesión de grabación que duró toda la noche y que tuvo lugar en Los Ángeles los días 12 y 13 de noviembre de 1956. Aunque Hampton Hawes creó espontáneamente cinco temas originales en esta fecha extraordinariamente inspirada, todo lo que aparece en el Vol. 2 procede directamente del repertorio de trabajo del músico de bop estándar. El cuarteto, con el bajista Red Mitchell, el guitarrista Jim Hall y el baterista Eldridge "Bruz" Freeman, improvisan colectivamente su camino a través de cuatro atractivos estándares ("I Should Care" resultó ser la única balada lenta de toda la sesión) y tres de las creaciones más refrescantes de Dizzy Gillespie. En 1958 se citó a Hawes diciendo: "Es difícil expresar con palabras lo bien que se siente tocando jazz cuando hay mucho swing... He llegado a un punto en el que la música te llena tanto emocionalmente que tienes ganas de gritar aleluya, como hace la gente en la iglesia cuando se convierte a Dios. Así es como me sentía la noche que grabamos All Night Session".
El volumen 3 de All Night Session del cuarteto de Hampton Hawes contiene tres variaciones improvisadas de forma espontánea sobre el blues, una interpretación extendida muy genial de "Do Nothin' 'Till You Hear from Me" de Duke Ellington y un tratamiento sorprendentemente atractivo de "Between the Devil and the Deep Blue Sea" de Harold Arlen. El "Blues #4", de ritmo rápido, es especialmente progresivo y emocionante. Al parecer, "Blues of a Sort" fue una actuación de calentamiento, ya que se oyen voces (¡discutiendo un partido de fútbol!) de fondo durante el solo de bajo. Para esta sesión nocturna maratoniana de una sola toma del 12 y 13 de noviembre de 1956, Hawes eligió compartir el estudio con el guitarrista Jim Hall, el bajista Red Mitchell y el batería Eldridge "Bruz" Freeman, que había sustituido a Chuck Thompson tras la repentina incapacidad de este músico para seguir de gira con el grupo a principios de ese año. "Le dimos a Chuck el dinero que pudimos y le dejamos sentado en un catre de hospital con una bata blanca". Esta sombría imagen, al igual que gran parte de la autobiografía de Hawes, pinta un crudo panorama de la epidemia de narcóticos entre los músicos de jazz durante los años 50. Aunque este fue el primer pico de su carrera, Hawes admitió más tarde que "durante el otoño de 1956 estaba metiendo la pata constantemente: llegando tarde a los conciertos o perdiéndolos por completo". Tenía muchas ofertas de trabajo, incluida la posibilidad de poner música a la banda sonora de una película: "Quería hacerlo, me habrían pagado bien, pero en ese momento no tenía ni el pan para llegar al estudio y ver lo que tenían pensado". Una de las grandes incongruencias del bop es el hecho de que Charlie Parker y los músicos más directamente influenciados por él fueran capaces de ser tan creativos y prolíficos mientras lidiaban con adicciones que los confundían, inmovilizaban y finalmente los mataban. Todas estas reflexiones pululan silenciosamente bajo la superficie de lo que supuso más de dos horas de jazz de cuarteto excepcionalmente bueno.

Sonny Clark • Standards

Empezó a estudiar piano muy pronto y alternaba esos estudios con los del contrabajo y el vibráfono. En 1940 su familia se trasladó a Pittsburgh y siete años mas tarde, en 1947, ya actuaba delante del publico, cosa que alternaba con sus estudios de teoría junto a su hermano.

A la muerte de su madre, se trasladó a Los Ángeles y allí comenzó a tocar con Wardell Grey, Teddy Edwards y Harold Land. Meses mas tarde su destino fue San Francisco, donde entró a formar parte de un grupo dirigido por el contrabajista, Oscar Petifford. Entre 1953 y 1956, formó parte del grupo del clarinetista, Buddy de Franco sustituyendo a Kenny Drew. En 1954, tuvo la oportunidad de viajar a Europa en esa formación y cuando concluyó el contrato con Buddy de Franco, firmó con los "Lighthouse All Stars" que dirigía el contrabajista, Woward Rumsey y en 1957 llegó a New York como pianista de la cantante Dinah Washington. Grabó un disco con el saxo barítono, Serge Chaloff para el sello Blue Note, y a a raíz de esta colaboración pasó a ser un músico permanente de dicho sello que lo contrató en nómina como sideman.

El resultado fueron seis discos a su nombre y teniendo como compañeros de grabación a lo mas granado del hardbop de la época como: Hank Mobley, Art Farmer, John Coltrane o Paul Chambers, y una larga serie de grabaciones al lado de Sonny Rollins, Curtis Fuller, Johnny Griffin, o Dexter Gordon entre otros. Victima, como muchos otros músicos de los estupefacientes, su actividad se tuvo que ver interrumpida al ser ingresado en 1963, en un Hospital de New York con una gran infección pulmonar. Dado momentáneamente de alta, pocos días después murió victima de un infarto cuando aun no había cumplido los 32 años.

Influido por el maestro, Bud Powell, Sonny Clark engrosa la lista de extraordinarios músicos muertos en el cenit de su carrera y cuando aun tenían por delante una extraordinaria trayectoria. Poseía ese estilo rapidísimo y frenético que con un continuo despliegue de notas, enlazaban en acordes, y resonancias originalísimas. Su fraseo recordaba también al del maestro Art Tatum, por la utilización de múltiples adornos, y al de Teddy Wilson por su refinamiento en las baladas. Entre sus grabaciones destacan: "Deep in a Dream" junto a Ike Quebec con todos los temas compuestos por el. NOMBRE REAL: CONRAD YEATIS CLARK

Fuente: http://www.apoloybaco.com/sonnyclarkbiografia.htm

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Automatic translation:He began to study piano very soon and alternated those studies with those of the contrabass and the vibraphone. In 1940 his family moved to Pittsburgh and seven years later, in 1947, he was already acting in front of the public, which alternated with his theory studies with his brother.Upon the death of his mother, he moved to Los Angeles and there began playing with Wardell Gray, Teddy Edwards and Harold Land. Months later his destination was San Francisco, where he joined a group led by bassist Oscar Petifford. Between 1953 and 1956, he was part of the Clarinetist group, Franco's Buddy replacing Kenny Drew. In 1954, he had the opportunity to travel to Europe in that formation and when he concluded the contract with Franco's Buddy, he signed with the "Lighthouse All Stars" directed by bassist Woward Rumsey and in 1957 he came to New York as a singer pianist Dinah Washington. He recorded an album with the baritone saxophone, Serge Chaloff for the Blue Note label, and as a result of this collaboration became a permanent musician of that label that hired him in payroll as sideman.The result was six discs in his name and having as recording companions the hardcore of the time like: Hank Mobley, Art Farmer, John Coltrane or Paul Chambers, and a long series of recordings alongside Sonny Rollins, Curtis Fuller, Johnny Griffin, or Dexter Gordon among others. Victima, like many other musicians of the narcotics, his activity had to be interrupted when being admitted in 1963, in a Hospital of New York with a great pulmonary infection. Given momentarily discharged, a few days later she died of a heart attack when she was not yet 32 ​​years old.Influenced by the teacher, Bud Powell, Sonny Clark adds to the list of extraordinary musicians killed at the zenith of his career and when they still had an extraordinary trajectory ahead. He had that fast and frenetic style that with a continuous display of notes, linked in chords, and original resonances. His phrasing also remembered the one of the teacher Art Tatum, by the use of multiple adornments, and the one of Teddy Wilson by its refinement in the ballads. Between his recordings they emphasize: "Deep in a Dream" next to Ike Quebec with all the subjects composed by the. REAL NAME: CONRAD YEATIS CLARK 

Source: http://www.apoloybaco.com/sonnyclarkbiografia.htm

 

 

 

Eddie Higgins Trio • Essential Ballads Best

 

Lee Konitz & Martial Solal • Duplicity